UN VIAJE POR EL ARTE
Próxima restauración de "El Juicio Final" de Miguel Angel en la Capilla Sixtina
El Vaticano ha confirmado que el Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina será sometido a un mantenimiento extraordinario en 2026, una operación que coincidirá con el final del Jubileo. Los trabajos tienen como meta garantizar la conservación del fresco. Esta decisión responde a la necesidad de reforzar las tareas habituales de cuidado, ya que los casi siete millones de visitantes anuales dejan su huella en la estabilidad de la obra. Para llevarlo a cabo se instalarán andamios que cubrirán por completo la pared del altar donde se encuentra la monumental pintura. Estos trabajos permitirán a los restauradores actuar con mayor precisión y cercanía en los detalles más delicados de la obra, más allá del mantenimiento anual que ya se realiza con la ayuda de un elevador mecánico. Aunque se trata de una intervención más ambiciosa, el proyecto tiene una dimensión simbólica y práctica. El fresco, pintado entre 1536 y 1541 por encargo de los papas Clemente VII y Pablo III, es una de las joyas del Renacimiento y una pieza clave de la iconografía universal. El reto es conjugar las demandas del turismo de masas con las exigencias de conservación en un espacio que sigue siendo, al mismo tiempo, sagrado y artístico. Además, se pondrá en marcha un ambicioso proyecto de cinco años destinado a recuperar la lonja de Rafael.
Periódico "El Confidencial" (19/08/2025)
¿Que es el Arte Biofílico?
El diseño biofílico es una nueva tendencia constructiva que se caracteriza por poner en contacto la arquitectura con la naturaleza.
El diseño biofílico es la nueva tendencia apoyada por grandes arquitectos, teóricos, científicos investigadores y profesionales del diseño y la arquitectura. El diseño biofílico propone insertar aspectos de la naturaleza en la construcción de edificios y en el diseño de interiores. Todo con el objetivo de reconectar a los ciudadanos con la naturaleza que pasa a un segundo plano en las zonas urbanas.
Es cierto que el término diseño biofílico y ecodiseño pueden tener puntos en común, tanto que se confunden, pero lo cierto es que son dos conceptos totalmente diferentes. El diseño biofílico no se centra tanto en aspectos como una mayor eficiencia energética de los edificios, o en construir casas sostenibles con materiales ecológicos; sino en la sensación que los usuarios tienen al ocupar sus instalaciones.
¿Qué es el Diseño Biofílico?
El biomorfismo es un movimiento artístico que comenzó en el siglo XX. El arte biomorfista se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas de la biología.
Los tres puntos clave del diseño biofílico
Introducir elementos de la naturaleza
Consiste en la conexión visual y no visual con la naturaleza. Centrándose en estímulos sensoriales como olores, sonidos, gustos y sensaciones producidos por objetos propios de la naturaleza. Esto se puede lograr con áreas de trabajo ubicadas junto a ventanales con vistas a elementos naturales como montañas, agua o cielo y, en lugares cerrados con la presencia de plantas o jardines verticales. Se puede lograr un fin parecido al introducir sonidos de agua u olores naturales y con elementos estimulantes en movimiento, como cascadas.
Es muy importante tener contacto con aire fresco, ya sea a través de ventanas o de terrazas. Un aspecto importante en el diseño biofílico es la conexión biológica con los cambios estacionales, especialmente en ciudades en las que estos cambios no son tan marcados, que puedan percibirse con la introducción de plantas que crezcan o mueran según la estación del año.
Naturaleza análoga
Se trata de incorporar en la construcción la presencia de la naturaleza, imitando formas propias del entorno vivo y natural. Al mejorar la conexión con las formas de la naturaleza, como las plantas o los árboles también hay que trabajar con elementos artificiales que recreen estas formas
Una manera de aplicar este punto del diseño biofílico es empleando colores naturales o determinadas formas que puedan evocar elementos naturales y crear el mismo efecto en el ser humano, se logra el mismo efecto con materiales como la madera, la lana, el cuero o la piedra.
Naturaleza del espacio
Consiste en priorizar los espacios abiertos en la construcción que proporcionen una sensación de bienestar y descanso, no solo se trata de incorporar plantas o elementos de madera, sino de crear espacios en los que los empleados o los usuarios quieran ir a trabajar. Una vista despejada da sensación de amplitud y libertad o creando zonas de relajación y lectura.
Hay que enfocarse en que los elementos estén balanceados creando espacios en los que la gente pueda sentir que conecta con la naturaleza en todos los sentidos, no solo incorporando elementos como plantas o agua sino también simulando la amplitud y libertad que se siente estando en espacios naturales.
Ejemplos de Diseño Biofílico en construcciones
Hospital The Royal Children’s, Australia
Esta sala es parte de un proyecto del hospital The Royal Children 's Hospital by Bates Smart especializado en la salud infantil, con este proyecto buscan la aplicación de los conceptos de biofílica para mejorar la salud de los enfermos y ayudarlos a la hora de la recuperación. Los resultados de estos estudios han sido claros, los enfermos que se sitúan en las habitaciones con vistas a la naturaleza o zonas amplias se recuperan en menos tiempo comparados con los enfermos situados en habitaciones normales.
Oficina National Australia Bank, Australia
Otro caso de este estilo de arquitectura está en Australia, en el edificio de National Australia Bank. La Universidad de Oregon llevó a cabo un estudio para entender cómo es que estos entornos naturales afectan realmente la productividad y el beneficio en las oficinas y concluyeron que la arquitectura biofílica afecta directamente la tasa de absentismo de los trabajadores de oficina, en este caso específico se concluyó que este número se redujo en un 10%.
Oficinas centrales de Amazon, Seattle
Se compone de un conjunto de rascacielos y cúpulas transparentes llamadas "biósferas conectadas". Éstas actúan como un jardín cubierto y como un espacio de trabajo colectivo, además son las oficinas de Amazon.
Con esta construcción de su nueva sede, Amazon busca revitalizar este sector de la ciudad. Las esferas de vidrio fueron creadas con el objetivo de ofrecer un lugar de reunión único donde los empleados pudieran colaborar e innovar juntos, y en donde la comunidad de Seattle pudiera reunirse para experimentar la biodiversidad en el centro de la ciudad.
Hazaña de Frida Kahlo
la obra de arte más cara de una mujer jamás subastada
20 noviembre 2025
Una pintura surrealista de la famosa artista mexicana Frida Kahlo se vendió por US$54,7 millones, rompiendo el récord de subasta para una obra de una mujer.
La pintura, de la década de 1940, alcanzó un precio más de mil veces superior a su valor original cuando fue subastada en 1980, tras una tensa puja entre dos coleccionistas, según la casa de subastas Sotheby's.
La obra, titulada "El sueño (la cama)", representa a Kahlo dormida en una cama con dosel bajo un esqueleto envuelto con dinamita.
La subasta superó el récord anterior para la obra de una pintora, de US$44 millones, así como el precio más alto pagado por un retrato de Kahlo: US$34,9 millones en 2021.
La pintura se vendió por US$54,7 millones.
El autorretrato es una de las obras de Kahlo con mayor carga psicológica, según Sotheby's.
Fue pintado durante un período turbulento de su vida: el año en que asesinaron a un ex amante y después de divorciarse de Diego Rivera, reconciliarse y volverse a casar con él.
Kahlo, quien falleció en 1954, es considerada una de las más grandes pintoras del siglo pasado y se dio a conocer por sus autorretratos.
Su obra a menudo reflejaba su dolorosa relación con su cuerpo, afectado por la poliomielitis en su infancia y por las graves lesiones sufridas en un accidente de autobús.
"Pocos podrían haber imaginado que 'El sueño (la cama)' se vendería finalmente por US$55 millones cuando fue subastada por primera vez en Sotheby's en 1980 por US$51.000", comentó Anna Di Stasi, directora del departamento de arte latinoamericano de la casa de subastas.
"Este resultado sin precedentes demuestra lo mucho que hemos avanzado, no solo en la apreciación del genio de Frida Kahlo, sino también en el reconocimiento de las mujeres artistas al más alto nivel del mercado", añadió.
El precio más alto alcanzado anteriormente en una subasta por una obra de una mujer artista lo ostentaba "Jimson Weed/White Flower No. 1", de Georgia O'Keeffe, vendida en Sotheby's en 2014 por US$44 millones.
"El sueño (la cama)" es una de las pocas pinturas de Kahlo que se encuentran en el mercado público desde que las autoridades mexicanas declararon sus obras como monumentos artísticos en la década de 1980, impidiendo su exportación sin autorización.
La historia de Kahlo fue adaptada al cine en 2002 con una película biográfica protagonizada por Salma Hayek, que narra su tormentosa relación con Diego Rivera y las lesiones que sufrió en su vida.
Un espectáculo con luces láser, orquesta sinfónica, bailarines con túnicas inspiradas en frescos antiguos, cetros y coronas doradas marcó este sábado (01.11.2025) la inauguración oficial del Gran Museo Egipcio (GEM) en El Cairo.
"Estamos escribiendo un nuevo capítulo de la historia del presente y del futuro en nombre de esta antigua patria", declaró el presidente de Egipto, Abdel Fatah al Sisi, quien alabó "el mayor museo del mundo dedicado a una sola civilización", ante una audiencia compuesta por reyes, jefes de Estado y dirigentes internacionales.
¡ EL MUSEO MÁS GRANDE DEL MUNDO !
La construcción del edificio, levantado sobre un espacio de medio millón de metros cuadrados con apoyo financiero y técnico de Japón, costó más de 1.000 millones de dólares y requirió 20 años de trabajos titánicos.
La atracción principal es el tesoro de Tutankamón, descubierto en 1922 en una tumba inviolada del Valle de los Reyes, en el Alto Egipto, con cerca de 5.000 objetos funerarios reunidos por primera vez en un mismo espacio.
En la apertura al público el martes, los visitantes serán recibidos en el inmenso atrio por la estatua más monumental del museo (83 toneladas de granito y 11 metros de altura) que representa a Ramsés II, el faraón que reinó en Egipto por 66 años hace más de 3.000 años.
En total, el GEM alberga más de 100.000 piezas arqueológicas, de las cuales la mitad serán expuestas, con lo que conforma la colección más grande del mundo dedicada a una sola civilización, que vio pasar 30 dinastías a lo largo de 5.000 años.
Inauguración oficial del Gran Museo Egipcio (GEM) en una pantalla gigante cerca de la plaza Tahrir, en El Cairo (01.11.2025)Imagen: Amr Abdallah Dalsh/REUTERS
Evento de Inauguración
El Arte mueve Millones
El 24 de octubre de 2025, un retrato de Dora Maar pintado por Pablo Picasso en 1943 fue subastado en París por 32 millones de euros, superando con creces la estimación inicial. La obra, titulada Buste de femme au chapeau à fleurs (Dora Maar), había permanecido oculta durante más de 80 años en una colección privada y no se había exhibido públicamente desde su adquisición en 1944.
Detalles de la subasta:
Obra: Buste de femme au chapeau à fleurs (Dora Maar), pintado en 1943.
Sujeto: Representa a la artista surrealista Dora Maar, musa y pareja de Picasso durante la década de 1940.
Casa de subastas: Lucien Paris, en el Hôtel Drouot de París.
Precio de venta: 32 millones de euros (aproximadamente 37,2 millones de dólares).
Estimación inicial: 8 millones de euros (9,4 millones de dólares).
Procedencia: Fue adquirido por una familia francesa en 1944 y sus herederos decidieron venderlo.
Exposición previa: Se mostró al público en el Hôtel Drouot días antes de la venta, siendo la primera vez que se exhibía en público.
Contexto e impacto:
El cuadro, parte de la serie "Mujer con sombrero" de Picasso, fue pintado en París durante la ocupación alemana.
El subastador, Christophe Lucien, calificó la venta como un "éxito enorme" y un momento muy emotivo, destacando el gran interés mundial que generó la obra.
La venta estableció un récord para una obra de arte vendida en Francia en lo que va de 2025.
Antes de la subasta, la obra solo se conocía a través de una fotografía en blanco y negro en el catálogo razonado de Christian Zervos.
"Desconocido por el público y nunca exhibido, salvo en el taller de Picasso ante algunos amigos, nunca fue barnizado ni restaurado; está simplemente enmarcado con molduras delgadas y en su estado original", explicó Agnès Sevestre-Barbé, especialista en Picasso, durante la presentación de la obra el 19 de septiembre.
De inspiración tanto naturalista como cubista, la pintura muestra a Dora Maar sumida en la tristeza, pero con un rostro sereno, a diferencia de otros retratos en los que el maestro español la representó con una expresión de emociones intensas o violentas.
Dora Maar, musa y fotógrafa surrealista
Luce un sombrero de flores en tonos vivos (rojo, amarillo, verde, violeta) y un busto más oscuro, en el momento en que Picasso la dejaba por una mujer más joven, Françoise Gilot.
Varios retratos de Dora Maar se han vendido sobre todo en Estados Unidos, en las grandes casas de subastas anglosajonas. En 2006, 'Dora Maar con gato' fue vendida en Nueva York por 95 millones de dólares, después de 'Mujer sentada en un jardín' (1938), adquirida también en Nueva York en 1999 por 49 millones de dólares.
Autenticado por la administración Picasso, el retrato vendido solo era conocido por los especialistas y admiradores del pintor en blanco y negro, gracias al catálogo razonado de sus obras (inventario oficial) que lo mencionaba, según Drouot.
Anish Kapoor transforma el metro de Nápoles en una obra de arte
La principal obra de Anish Kapoor en Nápoles es la estación de metro de Monte Sant'Angelo, inaugurada en septiembre de 2025. Diseñada como una escultura monumental, la estación está inspirada en el descenso al infierno de la Divina Comedia de Dante. El proyecto incluye una gran estructura de acero corten y una entrada "escultórica" adicional de color blanco.
Inspiración:El diseño se basa en la idea de un descenso al inframundo, reflejando la mitología y el lugar histórico de Nápoles.
Estructuras principales:
Una gran entrada de acero corten de 19 metros de altura y 220 toneladas, que alberga las escaleras mecánicas.
Una segunda salida "escultórica" blanca, de 11 metros de altura y 42 toneladas.
Objetivo:Kapoor buscaba crear una obra de arte público que transformara la experiencia del viajero, conectando la infraestructura con la cultura y la mitología local.
El Museo del Prado reabre su galería central
El Color del Arte
El equipo técnico del Prado llevará a cabo el repintado de los muros, la revisión de los sistemas de iluminación y la reordenación de las obras expuestas en un despliegue logístico.
La elección del azul no es arbitraria. Se trata de un color con una fuerte presencia en la historia del arte, utilizado por maestros como Velázquez, Murillo o Tiziano en sus composiciones. La institución llevaba meses planteándose la conveniencia de un cambio en los tonos de fondo para resaltar la fuerza de los lienzos y había hecho incluso varias pruebas con diferentes posibilidades. El éxito y resultado del color elegido en la reciente exposición ‘El Greco. Santo Domingo el Antiguo’ -que ocupó la primera parte de la galería entre febrero y junio de este año-decantó la elección por el azul.
Esta renovación se inscribe en la tradición de intervenciones que han marcado la historia de la Galería Central: desde la reforma de Pedro Muguruza en los años 20, la climatización de los años 80, hasta el montaje de exposiciones como “Reencuentro” en 2020. El azul será, así, el nuevo telón de fondo para una colección que sigue dialogando con el presente.
Banksy reabre la polémica
La Policía Metropolitana de Londres confirmó que recibió una denuncia por daño criminal en relación con el grafiti y aseguró que mantiene abierta una investigación. El artista, cuya identidad es un misterio, refleja en su obra problemas sociales, políticos y medioambientales por todo el mundo.
Banksy volvió a actuar después de que el pasado 30 de mayo apareciera una de sus obras en Marsella (Francia). En este caso, regresó a la capital británica después de crear en agosto de 2024 nueve obras de temática animal, entre ellas la famosa garita de Policía situada en la City (distrito financiero) y reconvertida en un tanque de pirañas. Sus obras son muy cotizadas, llegando a alcanzar decenas de millones de euros en subastas.
La Tokenización del Arte
La tokenización del arte se refiere al proceso de crear tokens digitales que representan derechos financieros o derechos de propiedad sobre una obra de arte. Estos tokens pueden representar copropiedad, derechos de ganancia o poder de voto. Este proceso permite la propiedad fraccionada y automatiza funciones clave mediante contratos inteligentes.
Esto es lo que ganan ambas partes:
Los artistas y coleccionistas pueden recaudar fondos de nuevas maneras, mejorar el flujo de caja y mantener el control total sobre la propiedad intelectual.
Los inversores pueden ingresar al mercado del arte con menos capital y diversificar sus carteras.
Con un mercado mundial del arte valorado en más de $65 mil millones, la tokenización está haciendo que la inversión en arte sea más accesible y justa.
Para artistas y Coleccionistas: Monetización, protección de la propiedad intelectual y alcance
La tokenización ofrece herramientas útiles para creadores y propietarios:
Nuevos modelos de ingresos
Los artistas pueden recaudar fondos para sus próximas colecciones incluso antes de que estén terminadas.
Los coleccionistas pueden vender partes de su arte mientras mantienen la posesión física completa.
Las ganancias continuas son posibles a través de la participación en los ingresos.
Regalías integradas y protección de la propiedad intelectual
Los contratos inteligentes garantizan que los artistas reciban automáticamente regalías por las reventas.
La tecnología blockchain protege los registros de propiedad y ayuda a prevenir el fraude.
Alcance global
Los artistas ya no dependen de las galerías tradicionales. Con la tokenización, pueden conectar directamente con:
Inversores de criptomonedas de todo el mundo
Instituciones que exploran la tokenización de activos del mundo real
Aficionados que desean apoyar financieramente el arte que admiran
Para inversores: Acceso, ingresos y transparencia
El arte es una inversión alternativa prometedora. La tokenización facilita la participación de más personas:
Menores barreras de entrada
Los tokens fraccionales permiten a los inversores invertir en arte de alto valor con pequeñas cantidades de dinero.
Los tokens son flexibles y se pueden mantener o vender.
Nuevas oportunidades de ingresos
Algunos tokens de arte generan retornos por licencias o futuras reventas.
Las plataformas también pueden vincular el arte tokenizado con herramientas DeFi para un mayor potencial de ingresos.
Mayor transparencia y liquidez
Todas las transacciones y registros de propiedad son visibles en la blockchain.
Los mercados secundarios facilitan la compraventa.
Cómo funciona la tokenización del arte
Así es como suele ser el proceso:
La propiedad y los derechos legales de la obra de arte se verifican y documentan.
Los tokens se crean para representar digitalmente los derechos de propiedad o los reclamos de ingresos relacionados con la obra de arte.
Un contrato inteligente establece las reglas de propiedad, regalías y toma de decisiones.
Los tokens se distribuyen a través de una plataforma segura y regulada.
La plataforma rastrea todo, desde los pagos hasta los cambios de propiedad.
Plataformas como Brickken simplifican esto al ofrecer:
Herramientas sin código para la creación de tokens
Cumplimiento de los estándares KYC y AML
Funciones automatizadas de contratos inteligentes
Paneles para la gestión continua de activos e inversores
Un futuro donde todos puedan poseer una obra de arte
La tokenización del arte es parte de un cambio más amplio. A medida que más activos del mundo real se tokenizan, el arte está marcando la pauta:
Las comunidades están formando DAOs Culturales, que son colectivos basados en blockchain, para ser copropietarios de obras de arte.
Artistas y productores están usando tokens para financiar películas y música.
Nuevas galerías nativas de la Web3 están lanzando tokens de capital vinculados a carteras digitales.
Esto no es solo una tendencia tecnológica. Es un cambio en nuestra forma de pensar sobre el acceso y el valor en el mundo del arte.
Reflexión final: Capital creativo para una nueva era.
La tokenización no se trata solo de liquidez. Crea capital creativo. Artistas y coleccionistas obtienen herramientas para crecer, y los inversores acceden a una nueva y significativa clase de activos.
Exposición Adivinación en el Arte
Saturno es imagen del tiempo, y con ello, de la fuerza irresistible del destino. Bajo el signo de Saturno. Adivinación en el arte es un recorrido por la historia visual de las ciencias herméticas y adivinatorias desde una perspectiva de la historia cultural de las imágenes y la historia del arte. La exposición propone una aproximación al conocimiento esotérico como un dispositivo de pensamiento creativo que ha influido en distintas generaciones de artistas.
La muestra surge de la carta astral que André Breton (1896-1966), fundador del movimiento surrealista, elaboró para el poeta y escritor Jean Schuster (1929-1995), y que, tras su donación, ahora forma parte del acervo del MUNAL. A partir de este documento, se presenta una nueva lectura de la colección, tejiendo correspondencias con obras que remiten a las experiencias arcanas de las ciencias ocultas, y construyendo una constelación de imágenes inspiradas en la tradición esotérica.
Desde la antigüedad hasta nuestros días, la humanidad ha buscado descifrar el porvenir como una forma de conjurar la incertidumbre. Esa angustia atraviesa toda la exposición, evidenciando un terreno fértil para que las artes adivinatorias, como la astrología, el espiritismo, la quiromancia o el tarot, encuentren formas de expresión en diversas culturas y momentos históricos. Ya sea para ofrecer una imagen del futuro o para imaginar un replanteamiento del mundo y de la vida, estos saberes abren espacios de posibilidad.
Así, lo esotérico cobró nuevas formas en la mirada de artistas de los siglos XIX y XX, quienes desafiaron la hegemonía del pensamiento racional al privilegiar la imaginación, lo visionario y lo trascendental. A través de cuatro núcleos temáticos, la exposición invita a reflexionar sobre el destino, lo desconocido, el porvenir y la adivinación, desde el territorio de las artes.
Edi Rama inicia su cuarto mandato en Albania integrando una IA como ministra
Edi Rama, primer ministro de Albania, ha revelado este jueves la composición de su gabinete para su cuarto mandato, destacando la inclusión de Diella, una inteligencia artificial que gestionará la contratación pública en Albania.
“La nueva ministra, Diella, (…) contará con una estructura adaptada y un mandato especial para derribar los miedos, las barreras y la estrechez de la administración”, declaró el líder albanés, según informaciones de TV Klan.
Rama destacó el papel previo de Diella como asistente virtual en la plataforma de servicios en línea del gobierno, subrayando su nombramiento como un paso hacia una mayor implementación de tecnología y transparencia en las operaciones estatales.
Un Viaje por el Arte